Penso, Logo Assisto!

Miss Simpatia, comédia produzida e estrelada por Sandra Bullock. No filme Bullock é Gracie Hart, indômita agente do FBI que precisa se infiltrar em um concurso de beleza ameaçado por um criminoso conhecido como 'o cidadão'.

O problema é que a bonita garota se esconde embaixo de uma postura hostil, cabelos maltratados, roupas masculinas e hábitos grosseiros. O FBI tem poucos dias para transformá-la em uma mulher digna de ser Miss. Extremamente bem realizado, Miss Simpatia é uma comédia que agrada bastante. E agrada é a palavra certa, já que não se exalta seja nas características boas ou ruins. Bullock, atriz mediana com carisma, faz bem sua parte dentro e fora das telas. Seu parceiro no FBI é o ator Benjamin Bratt, que cai como uma luva no papel. É robusto e sério, mas possui um ar bonachão. E os outros coadjuvantes roubam o filme sempre que aparecem: Michael Caine, ganhador do Oscar de ator coadjuvante por 'Regras da Vida', é o responsável na transformação de Bullock em Miss, Candice Bergen, é a ex-miss organizadora do evento e, por último mas não menos importante, vem William Shatner, que interpreta o apresentador do concurso.

Estas características representam uma boa liderança de Bullock no cargo de produtora. Seu roteirista é Marc Lawrence, que já havia trabalhado com ela em 'Forças da Natureza'. Ele visitou diversos concursos de beleza e entrevistou agentes femininas do FBI para ter os melhores parâmetros ao escrever o texto, cujo tema o atraiu. 'Os agentes do FBI só se sentem confortáveis dentro de seu próprio círculo porque o mundo externo os vê como exóticos ou ameaçadores', disse.

Um filme gostoso em que se consegue rir tranquilamente. E que, apesar de requerer pouca massa cinzenta, não é bobo ou ofensivo. É simplesmente bom entretenimento.

Simultaneamente, policial de Nova York investiga crime de motivação racial e desafia traficante dominicano. Lançado em 2000, Shaft é a versão anos 90 do thriller policial que marcou época no começo da década de 70 Interpretado por Richard Roundtree, um dos primeiros atores negros a furar o bloqueio branco e estrelar filmes nos Estados Unidos, John Shaft desembarcou em Brasília em 1973. Hoje cultuado, a primeira versão do policial Shaft estreou no Cine Karim. Quase 30 anos depois, muita coisa mudou. O Karim virou igreja evangélica e atores negros são bastante requisitados por produtores de Hollywood. Nada impede, entretanto, que a saga do temido tira nova-iorquino prossiga. Inspirado no filme que revelou o fenômeno conhecido como Blaxploitation (ver Memória), Shaft ganha agora uma adaptação anos 90. John Singleton, de Os Donos da Rua, dirige. Para tomar o lugar do veterano Roundtree, foram cogitados astros como Wesley Snipes. No final, prevaleceu Samuel L. Jackson, célebre em todo o mundo depois da elogiadíssima atuação em Pulp Fiction — Tempo de Violência.

Apesar de fazer referências ao original, o filme de 2000 atualiza muitos aspectos da obra que se tornou referência na década de 70. O principal: o Shaft do título não é o mesmo, e sim o sobrinho dele. O sobrinho segue os mesmos passos do tio. Querido pelas mulheres, o detetive cumpre seus objetivos a qualquer custo. Aqui, em especial, ele tem três missões difíceis. O personagem de Jackson está na cola de um traficante dominicano que domina Nova York (Jeffrey Wright, de Basquiat) e tenta desmascarar dois policias corruptos. Ao mesmo tempo, procura solucionar crime de motivações raciais — e de circunstâncias problemáticas. Filho de figurão da cidade, Walter Wade mata um jovem negro por motivo aparentemente banal. Interpretado por Christian Bale (de Velvet Goldmine), ele utiliza o poder do pai para se livrar da Justiça. As semelhanças com o Shaft setentista são muitas. John Singleton evitou o uso excessivo de efeitos especiais, por exemplo. Como no passado, desenvolve a narrativa à base de cenas de ação e montagem ágil. Singleton também quis respeitar o suíngue da trilha sonora premiada de Isaac Hayes — que ainda canta o tema principal. Versão antiga da trilha sonora / versão nova da trilha Pelo visto, os esforços valeram a pena. A fita custou 45 milhões de dólares e logo teve retorno de bilheteria. Faturou 70 milhões somente nos cinemas dos EUA — sem contar o mercado de vídeo. A receptividade do público animou os produtores, que então pensaram logo em uma continuação.

Fenômeno resistiu até 1977 Anos 60. Embalados pelos discursos de Martin Luther King, Malcolm X e outros ativistas, os negros exigiam tratamento igualitário. O cinema foi arma fundamental nesta luta. Curiosamente, aquela década marcou também a vitória do cinema independente. Em oposição a Hollywood, ‘‘pipocavam’’ de todos os lados filmes de baixo orçamento. Até então menosprezados pela indústria, dezenas de produtores se diferenciaram com filmes voltados ao público negro — que já era imenso. Surgiu o fenômeno Blaxpoitation (gíria para ‘‘explosão negra’’ em inglês). Ao longo dos anos 70, foram realizados dezenas de longas somente com atores negros — antes, eles não passavam de vilões em policiais ou westerns. Tudo começou com a comédia The Watermelon Man, dirigida por Melvin Van Peebles em 1969. 

A trama: um branco racista entra em pânico ao perceber que acordou na pele de um negro. Em 1971, Van Peebles trilhou pelo gênero policial com Sweet Sweetback’s Badaaass Song. O sucesso da fita gerou uma febre. O posterior Shaft foi um estouro. Depois de Richard Roundtree, novos ídolos surgiram. The Mack (1973) revelou Richard Pryor. Pam Grier (resgatada por Tarantino em Jackie Brown) conquistou fãs com Coffy (1973) e Foxy Brown (1974). O destaque de Superfly (1972) foi a trilha sonora emblemática de Curtis Mayfield. O suíngue das trilhas era tão marcante quanto a precariedade técnica daqueles filmes. Depois da ascensão, a queda. O movimento declinou em 1977, devido ao esgotamento temático. De qualquer forma, a enxurrada blaxpoitation ajudou a dar voz à comunidade negra.Fenômeno resistiu até 1977 Anos 60. Embalados pelos discursos de Martin Luther King, Malcolm X e outros ativistas, os negros exigiam tratamento igualitário. O cinema foi arma fundamental nesta luta. Curiosamente, aquela década marcou também a vitória do cinema independente. Em oposição a Hollywood, ‘‘pipocavam’’ de todos os lados filmes de baixo orçamento. Até então menosprezados pela indústria, dezenas de produtores se diferenciaram com filmes voltados ao público negro — que já era imenso. Surgiu o fenômeno Blaxpoitation (gíria para ‘‘explosão negra’’ em inglês). Ao longo dos anos 70, foram realizados dezenas de longas somente com atores negros — antes, eles não passavam de vilões em policiais ou westerns. Tudo começou com a comédia The Watermelon Man, dirigida por Melvin Van Peebles em 1969. A trama: um branco racista entra em pânico ao perceber que acordou na pele de um negro. 

Em 1971, Van Peebles trilhou pelo gênero policial com Sweet Sweetback’s Badaaass Song. O sucesso da fita gerou uma febre. O posterior Shaft foi um estouro. Depois de Richard Roundtree, novos ídolos surgiram. The Mack (1973) revelou Richard Pryor. Pam Grier (resgatada por Tarantino em Jackie Brown) conquistou fãs com Coffy (1973) e Foxy Brown (1974). O destaque de Superfly (1972) foi a trilha sonora emblemática de Curtis Mayfield. O suíngue das trilhas era tão marcante quanto a precariedade técnica daqueles filmes. Depois da ascensão, a queda. O movimento declinou em 1977, devido ao esgotamento temático. De qualquer forma, a enxurrada blaxpoitation ajudou a dar voz à comunidade negra.

Enquanto há muitos mistérios sobre Tomb Raider, conhecida como Lara Croft, conheça aqui alguns que descobri.

Filha de Lord Henshingly Croft, um célebre arqueólogo, Lara foi criada no protegido mundo da aristocracia britânica — rodeada por tênis, mordomos e corgis (para quem não sabe, corgi é uma raça de cachorro). Bem cedo em sua vida, Lara passou por uma tragédia, quando seu pai desapareceu misteriosamente durante uma expedição a um local remoto. Profundamente entristecida por sua ausência, seus anos na Wimbledon High School para meninas foram muito calmos. Mas isto mudaria à medida que ela crescia. A mudança para a escola de Gordonstoun reacendeu o interesse pela arqueologia que ela mostrara antes da morte de seu pai. As Terras Altas escocesas na vizinhança também se tornaram o local ideal para ela explorar e treinar à medida que procurava por artefatos antigos e civilizações perdidas.

Mais tarde, na escola suíça para moças, ela se tornou exímia esquiadora. À procura de terrenos mais desafiadores, Lara decidiu ir de férias para o Himalaia. Contudo, na volta, o avião caiu entre as profundas montanhas. Lara foi a única sobrevivente. Escapar de adversidades foi uma das experiências mais angustiantes de sua juventude e contribuiu bastante para sua imensa autoconfiança que a acompanha até hoje.

Os acontecimentos dramáticos que ocorreram em sua juventude levaram Lara a rejeitar a atmosfera sufocante da alta sociedade britânica. Ela passou a perceber que só sentia realmente viva quando viajava e trabalhava sozinha. Como uma "Tomb Raider", ela encontrou um modo de vida, não uma profissão. Raramente trabalha sob contrato, preferindo a arte de coletar e fazer novas descobertas a saquear vestígios de antigas civilizações perdidas para lucrar. Para custar seu estilo de vida aventureiro, Lara trabalha como fotojornalista profissional. Ela é muito conhecida em seu meio depois de ganhar vários prêmios Pulitzer. Quando está na Inglaterra, Lara reside na casa de sua família, uma mansão em Surrey. Certa vez, ela achou que não precisava da casa, mas logo percebeu sua importância como sua base de operações. As vastas terras e os inúmeros cômodos vazios da casa são incrivelmente convenientes para laboratórios técnicos, garagem de veículos e treinamento. Apesar desta drástica mudança na sua vida de nobre, Lara ainda retém a essência de sua criação — o que mais se nota é seu sotaque educado e de alta classe e seu amor pela música clássica.

William Miller é um jovem muito inteligente. Pequeno para sua idade e dois anos adiantado na escola é um garoto solitário, criado pela superprotetora mãe (Frances McDormand,) e pela irmã. Esta, cansada das intromissões da matriarca, abandona o lar aos 18.

É neste momento que ela, sem total noção de seu ato, muda a vida do irmão. Deixa seus vinis para ele. Dentro do disco ''Tommy'', do ''The Who'', um aviso: ''Escute 'Tommy' a luz de velas e você verá toda sua vida pela frente''. É neste mágico momento que o garoto descobre sua paixão pela música, assunto o qual passa a dominar completamente. Quer ser um jornalista da área.

Apoiado por um experiente crítico musical de sua cidade, Lester Bangs (Philip Seymour Hoffman), Miller tenta conseguir uma entrevista com o ''Black Sabbath''. Irremediavelmente barrado na entrada dos bastidores, acaba conhecendo os membros da banda ''Stillwater'', que abriria o show. Conhece também um grupo de fãs da banda, lideradas por Penny Lane (Kate Hudson), que apesar de negarem, são groupies ao extremo, ou seja, andam somente com pessoas famosas, acompanhando-as em todo lugar e dormindo com elas. Essa suposta intimidade é o gancho que ele usa quando o editor da Rolling Stone, sem saber que ele é um garoto, liga e pede uma matéria. Resultado: cair na estrada por 4 dias com os caras.

O diretor Cameron Crowe usa este garoto, virgem de tudo, largado no lado de um mundo que ele tanto admira, mas pouco conhece, e realiza várias proezas. Apesar do Stillwater ser uma banda fictícia, o espectador sente e respira exatamente os conflitos e situações que ele imagina que sua banda predileta experimenta. Ou seja, o filme funciona como um retrato dos bastidores do Rock. As groupies, especialmente Penny Lane, mostram a dedicação que algumas pessoas tem à seus ídolos. Miller, Bangs e os executivos da Rolling Stone são a faceta da crítica musical nesta indústria. Para qualquer jornalista ou aspirante, é muito divertido observar estes personagens, que representam alguns estereótipos de maneira deliciosa e inusual. Os rapazes do Stillwater estão no palco com a mesma insegurança e tem as mesmas esperanças que qualquer banda de garagem comum. Quem tem uma guitarra ou instrumento em casa sabe como eles se sentem.

O personagem de Edward Norton narra a história de como criou o Clube da Luta, um local onde homens que não encontraram um sentido para a vida, aliviam suas tensões e fogem da rotina de seus trabalhos mal-remunerados e onde não são valorizados. Norton vive um cara que frequenta grupo de terapia gratuitos de doentes, viciados, neuróticos e outras pessoas que vivem uma dor maior do que a dele, e com isso ele alivia a sua dor.

Mas o que é o Clube da Luta? Ele não tem lugar definido, pode ser num balcão abandonado ou no subsolo de um velho bar, mas é onde estas pessoas liberam sua agressividade e vivem a violência como um fim. Todo começou o narrador encontra Tyler Durden (vivido por Brad Pitt), um cara que não tem o menor amor à própria vida e não tem medo de absolutamente nada. Um dia os dois, ambos de mal com a vida, brigam. Eles se machucam, mas se sentem mais relaxados, mais preparados para seguir em frente com suas vidas; tornam-se amigos e brigam toda vez que estão insatisfeitos com seus cotidianos. Eles acabam levando seu novo hábito para mais pessoas e o Clube da Luta é fundado. Só que Norton está satisfeito com o jeito que as coisas estão agora, mas Brad Pitt quer mais, quer brigar com o mundo inteiro.

Inspirado no livro de Chuck Palahniuk, o diretor David Fincher faz de Clube da Luta uma amostra marcante da incipiência das relações cotidianas. Existe o mínimo de humanismo em ambiente tomado por individualismo. Ao equilibrar discurso ousado e evidente talento técnico, o cineasta norte-americano inscreve-se entre os autores mais importantes do cinema. Recomendo, é claro!

Existem duas realidades: uma que consiste no nosso cotidiano, a outra, no que está por trás disso. Uma é um sonho. A outra é a "Matrix". Com efeitos visuais impressionantes e um roteiro muito bem feito, Matrix surpreendeu e foi um sucesso de crítica e público. Neo (Keanu Reaves) está procurando desesperadamente a verdade sobre a "Matrix" - algo que ele ouviu através de sussurros - algo misterioso e desconhecido -, algo que, Neo tem certeza, exerce um controle impensável e sinistro sobre a sua vida.

Neo acredita que Morpheus (Laurence Fishburne), uma pessoa que ele conhece apenas pela lenda, uma figura fugitiva considerada e o homem vivo mais perigoso do mundo, pode dar-lhe a resposta. Uma noite, Neo é contatado por Trinity (Carrie Anne-Moss), uma bela estranha que o leva para um outro mundo, um submundo onde ele finalmente encontra Morpheus e descobre, sozinho, a verdade sobre "Matrix".

Lá, Neo depara-se com outra pergunta, tão perplexa quanto a primeira: Será que ele é Ele? Antes que consiga compreender o que isso significa, Neo tem certeza de que a resposta é "não". Alguns, como o colega de Morpheus, Cypher (Joe Pantoliano), concordam. Outros, não têm muita certeza. Há, ainda, aqueles que protegem a "Matrix". Liderados pelo obstinado e, literalmente, indomável Agente Smith (Hugo Weaving), eles têm métodos para obter informações que surpreendem e aterrorizam. Neo, Morpheus e Trinity precisam lutar brutalmente por suas vidas contra esse bando poderoso para encontrarem as respostas que procuram, para entenderem seus papéis nesse drama épico que se desdobra em volta deles, para conhecerem suas verdadeiras forças e para reconhecerem seus destinos. Cada movimento, cada segundo, cada pensamento é crucial se quiserem se libertar da "Matrix" e da existência que ela representa.

Recomendo!

Joana D'Arc é rico em locações, mas perde na interpretação principal. De Luc Besson, é uma grande produção de época. Com grandes tomadas e cenas ambientadas em ótimas locações, o filme traz toda a força e poder da época. 

Joana (Milla Jovovich) é uma jovem de 17 anos que, acreditando em sua missão, consegue derrotar o temido e poderoso exército inglês que havia tomado a França. Após contar com o apoio do Delfim - personagem que no futuro torna-se rei da França -, a garota consegue uma verdadeira façanha em meio às guerras que se passam no reinado, derrotando exércitos e cativando o povo.

O filme possui muitas cenas fortes e impactantes, principalmente no começo do enredo, quando Joana ainda é criança, e começa a receber mensagens do inconsciente. Milla deixa a desejar em seu papel de heroína. Apesar de interpretar, de forma razoável, as perturbações frente às mensagens que recebe de Deus, a atriz demonstra-se perdida e sem atitude no meio das batalhas. Não é possível saber se foi Besson quem escolheu uma Joana um pouco mais desnorteada que as já interpretadas, ou se o erro foi da própria modelo e atriz. Com bom elenco, Joana D'Arc conta com atuações de John Malkovich, como o rei Charles VII, Faye Dunaway, como Yolande D'Aragon, e Dustin Hoffman, como a consciência da jovem heroína. As filmagens duraram mais de um ano e surpreendem. A câmera sempre insistente de Luc Besson dinamiza a linguagem de filmes do gênero, trazendo boas tomadas. Muitas poderiam ter sido descartadas, como as várias que mostram pessoas sendo degoladas e outras com jorros de sangue. O longa é uma face interessante da mística história sobre a heroína francesa que enfrentou a tudo e a todos, e acabou morta na fogueira aos 19 anos por traição do próprio reino.

Ter sido declarada bruxa, queimada, inocentada e, quase 500 anos depois, canonizada, são apenas alguns dos dados que dão um panorama, um tanto quanto antagônico, dos atos da Igreja Católica ao longo dos anos.

Um filme para todos que sempre quiseram ser outra pessoa... principalmente aqueles que sonham estar na pele de John Malkovich. Dizem as más línguas que, além de feio e careca, Malkovich é um dos caras mais chatos de Hollywood. Por que então alguém gostaria de ser ele? Ora, é que apesar de chato e feio, o cara é rico e faz muito sucesso com as mulheres. Precisa mais algum motivo?

Apesar do título do filme, Malkovich não é o protagonista da história. Quem está no centro da trama é Craig Schwartz (John Cusak) que, apesar de todo seu talento como artista de marionetes, não consegue sobreviver com seu trabalho. Nova York não está interessada em suas habilidades especiais. Seu casamento de dez anos com Lotte (Cameron Diaz), uma funcionária de uma loja de animais caiu na rotina. Eles não têm dinheiro nem paixão. Nem escapatória.

Sem expectativas, Craig, com seus dedos ágeis, consegue emprego como arquivista na LesterCop, uma "pequena" companhia localizada no 7º e meio andar do prédio de escritórios Mertin-Flemmer em Manhattan. Ali, ele conhece a bela Maxine (Catherine Keener), uma espécie de obsessão à primeira vista. Para ele, Maxine é um objeto para ser adorado, uma mulher esperando para ser amada. Mas, para Maxine, Craig é apenas um panaca. Desanimado e rejeitado, ele se isola em sua sala para cuidar do trabalho. Num momento de desespero empurra com força uma gaveta e faz cair uma pasta atrás da estante. Ao puxar o móvel, encontra um buraco na parede. Cuidadosamente, Craig se debruça e é sugado através de um túnel escuro e úmido. Há um brilho de luz e, depois, de repente, Craig percebe que achou um portal de passagem à experiência singular de ser John Malkovich! Ele está sendo John Malkovich...

Astronautas veteranos são convocados para missão espacial extraordinária. Clint Eastwood, ator e diretor norte-americano é considerado um verdadeiro mestre pelos críticos europeus. Exagero ou não, a obra dele tem particularidades muito interessantes.

Em Cowboys do Espaço, comédia dramática Eastwood propõe narrativa bastante convencional. Acompanha quatro aviadores (James Garner, Clint Eastwood, Donald Sutherland e Tommy Lee Jones) veteranos convocados para mostrar seu valor em missão espacial extraordinária. Todas as situações a partir daí podem ser previstas pelo espectador mais astuto. De qualquer forma, o diretor apaga eventuais problemas com uma direção firme. Inteligente contador de histórias, Eastwood se destaca com facilidade em meio à mediocridade do cinema norte-americano atual. Ele, ao contrário de muitos conterrâneos, aposta nas minúcias do roteiro. Trata de compreender as motivações de cada personagem antes de simplesmente escrever cenas. O resultado é uma trama consistente do princípio ao fim. A cautela na condução da história viabiliza outra qualidade de Cowboys do Espaço: cenas atraentes. Isso torna o discurso ainda mais convincente. Falar que os idosos podem contribuir com a sociedade é fácil. Comprovar isso com diálogos e situações ficcionais é mais difícil. A todo momento Eastwood corre o risco de esbarrar no sentimentalismo (como em Cocoon) ou no redundante. Para a sorte do público, ele escapa destes obstáculos com competência.

Você Sabia?

Clint Eastwood estreou no cinema em um filme chamado A Vingança da Criatura, mas seu nome não apareceu nos créditos.

Nada é mais tocante do que crianças de orfanato. Os adoráveis órfãos do filme "The Cider House Rules" (Regras da Vida, no Brasil) nos comovem até mais do que o filme "Annie". Esta adapatação do romance best-seller de John Irving retrata os acontecimentos na vida de um jovem órfão que alcança a idade de lançar-se no mundo por conta própria. Não fique desconfiado de sua origem literária, pois o filme não tem nada a ver com questionáveis adaptações como "As Cinzas de Angela" ou "Neve sobre Cedros". Esta é uma história cativante e acessível que conta com personagens adoráveis e uma boa metáfora sobre viver de acordo com suas próprias regras. Tobey Maguire interpreta o papel de Homer Wells, um garoto órfão muito maduro para sua idade. Ele é capaz de realizar partos e abortos, mas é muito inocente para lidar com a dura realidade da vida. Quando ele deixa o orfanato numa jornada para explorar o mundo, acaba descobrindo que amar não é nada fácil e que forças demoníacas estão presentes onde menos se espera. Maguire acaba provando ser um talentoso jovem ator com uma atuação sensível e uma intensa expressão facial, ressaltada por seu olhar solene e seu sorriso cativante. Seu personagem é o foco da maior parte do filme, de modo que quando a narrativa retorna aos acontecimentos no orfanato, acaba não tendo a força que deveria ter. Mas isso certamente não é culpa de Michael Caine, que está brilhante no papel do tutor de Homer, Dr. Wilbur Larch. Quando ele está na presença das crianças, é um patriarca contador de histórias encantador. Mas quando ele está só, desabrocha um lado seu bastante emocional, por vezes triste, como ao sofrer pela perda de uma criança, e por vezes trágico, como ao inalar éter. Sem dúvida esta é uma das atuações mais genuínas que assisti esse ano.

Em Nova York, Helen, uma jovem mulher que vive com Jackson, um excelente agente da Bolsa de Valores, descobre que está grávida.  Como ele é dono de uma bela propriedade rural que precisa de melhoramentos, os dois decidem se mudar para lá, planejando trabalhar na propriedade e criar o filho num local mais tranquilo. 

Entretanto, logo que chega à propriedade, Helen percebe a relação possessiva da futura sogra, Martha Baring, para com o filho, bem como, sua intenção em dificultar a vida dos dois.  

A neurótica mãe de Jackson, que sempre administrou o local, incomoda-se com a presença de Helen e faz planos para ter o controle da situação, seguindo ao pé da letra a regra que diz que os fins justificam os meios.  Assim, aos poucos, as duas passam a se odiar, principalmente depois que Helen descobre as intrigas da matriarca.

Poderia ser uma boa pedida para aqueles que querem fugir dos filmes de tema natalino dessa época do ano. Porém em "Segredo de Sangue" ("Hush") peca não tanto pela falta de originalidade, mas principalmente por desperdiçar um assunto que tem apelo e promete adrenalina para os fãs de histórias de suspense, perdido em meio a um roteiro fraco e uma direção equivocada.

O elenco, diante de personagens inconsistentes, não consegue ajudar muito. Gwyneth Paltrow, no papel da jovem que se apaixona por um fazendeiro, não decepciona no quesito dotes físicos, mas sua atuação certamente não vai deixar marcas.

Jessica Lange, como a sogra malvada, tem uma atuação razoável, mas não ruim.

E Jonnathon Schaech cumpre, como ator, o papel que seu personagem desempenha na trama: mera desculpa para o confronto entre as atrizes (ou sogra e nora).

A primeira parte do filme não compromete. Vê-se o casal em visita à fazenda da mãe do rapaz, onde os dois vão passar o Natal.

A mãe os recebe com aquela afabilidade falsa de quem está arquitetando um plano malévolo. Tão falsa que aquela que deveria ser a heroína do filme (Paltrow) passa por ingênua demais ao não perceber que algo está errado, não fazendo por merecer o título.

O casal volta para casa, ela descobre que está grávida e sofre um assalto. Traumatizada, decide que seria ótimo para a criança viver em uma fazenda. (Tudo bem, todo herói de filme de suspense tem um momento de extrema ingenuidade, ou não se colocaria em situações de risco.) Quem fica contente é sua sogra, que vai ficar próxima do filho, por quem alimenta um amor tão possessivo que chega a soar incestuoso.

Começam então as situações de tensão que levam a moça a odiar a mãe de seu marido e cujo desfecho é tão brusco que os personagens perdem o que tinham de consistência, pois mudam de atitude como quem muda de roupa.

É como se o diretor gastasse a maior parte do filme procurando criar situações de medo e não desse chance aos personagens para assimilar as situações e revertê-las.

A moça sofre um parto tenebroso do qual sai com força de leão, a malvada se mostra impotente, o filho, outrora dedicado, aceita naturalmente a crueldade da mãe.

Assim como em uma telenovela mexicana, o desenvolvimento da trama é excessivamente lento e a resolução vem aos trancos e barrancos, colocando tudo a perder. Enfim, dá pra assistir o filme em uma tarde tediosa.

Greta é uma babá chamada para cuidar de um garoto em uma mansão no meio do campo. O casal de pais já idosos é muito apegado ao filho, e lhe adverte que deverá seguir uma série de regras em relação ao menino. Porém, chegando lá, Greta descobre que a criança é na verdade um boneco. Admirada a princípio, ela logo percebe que os donos da casa realmente o tratam como um garoto, e partem em uma viagem deixando-a com Brahms para tomar conta na velha casa. Incrédula, ela deixa de seguir a lista rígida que lhe foi entregue, e coisas estranhas começam a acontecer.

O gênero de terror exige que o espectador se importe com as figuras em tela, para que então, possa torcer e temer por elas. Uma vez conseguido isso, não é necessário nem mesmo sustos, pois situações que coloquem esses personagens em perigo já são apavorantes em toda a sua duração. Só que essa produção vai na contra-mão disso.

Dirigido por William Brent Bell, Boneco do Mal aparentemente faz você logo imaginar que será aquele filme de terror bem diferente de outros do gênero que você assistiu. Porém com o passar dos minutos, o filme vai se entregando a clichês que já estamos acostumados em ver em produções assim e consequentemente vai te cansando. Enfim, temos algumas cenas que te fazem se interessar pela história. Temos uma boa atuação de Lauren Cohan (como a baba Greta) na medida do possível. Não achei ruim. É recomendado para uma noite tediosa e assistir descompromissadamente. Até mais!

Disponível no Brasil pela HBO e Netflix.

Título Original: The Boy

Título no Brasil: Boneco do Mal

País: Estados Unidos

Ano de Lançamento: 2016

Direção: William Brent Bell

Roteiro: Stacey Menear

Gênero: Terror

Elenco: Lauren Cohan, Rupert Evans, Jim Norton e Diana Hardcastle

Nota: 8,0 

De Alice para o Chapeleiro Maluco

Alice no País das Maravilhas e Tim Burton. Essa combinação não tinha como dar errado, mas restava saber o quão certo ela daria. Devo dizer que foi muito mais do que eu imaginei e minhas expectativas eram altas.

O roteiro do filme saiu do lugar comum e em vez de contar a historia da menina de 10 anos que esta conhecendo o País das Maravilhas, conta a historia de Alice, com 19 anos, retornando ao País das Maravilhas, que enfrenta a pressão social para que se case e deixe de ser tão louca e distraída.

O filme consegue ser lindo e encantador em inúmeros sentidos. No visual fantasioso, colorido e que, graças ao 3D, se tornou mais real do que o mundo do qual Alice está fugindo, nas pequenas lições que se encontram nas falas dos personagens, no modo como é mostrado o rito de passagem da infância para vida adulta ao se derrotar o Jabberwocky.

O elenco é maravilhoso. Johnny Depp trouxe alguns traços do Willy Wonka e de Edward Mãos de Tesoura, porém sem tornar o Chapeleiro Maluco uma releitura de seus trabalhos anteriores. E por mais que Johnny Depp seja o maior nome do elenco, as personagens e atrizes brilharam mais! Helena Bonham Carter é perfeita como a Rainha Vermelha; Anne Hathaway trouxe um delicadesa natural à Rainha Branca; e, a minha surpresa foi a atriz Mia Wasikowska, que apesar de ser pouco conhecida (já trabalhou na serie In treatment da HBO e ganhou um prêmio AFI na categoria Young Actor) mostrou uma Alice verdadeira, meiga, louca, que dá vontade de pegar e levar para casa.

O figurino e a maquiagem são casos à parte, impecáveis com referencias que vão da Era Vitoriana, passando por Joana d’Arc e chegando à bruxa da culinaria inglesa Nigella.

Alice no País das Maravilhas é um ótimo filme que você pode assistir e se divertir com seus personagens. Recomendo!

Título Original: Alice in Wonderland

Título no Brasil: Alice no País das Maravilhas

País: Estados Unidos

Ano de Lançamento: 2010

Direção: Tim Burton

Roteiro: Linda Woolverton

Gênero: Aventura, comédia, fantasia

Elenco: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Matt Lucas, Alan Rickman e Timothy Spall

Nota: 9,0 

Uma obra-prima de Steven Spielberg. Apesar de ser o segundo filme do diretor americano, Tubarão pode ser colocado no topo de sua rica filmografia

É indiscutível: a história do cinema deve ser dividida entre a.T (antes de Tubarão) e d.T (depois de Tubarão). Isso porque o filme do até então jovem diretor Steven Spielberg (na época com 28 anos!) revolucionou a sétima arte tanto como cinema propriamente dito quanto como produto.

Ao mesmo tempo que imprimiu uma nova linguagem no cinema de suspense, com várias tomadas de câmera subjetiva (influência notadamente hitchcockiana) e uma montagem frenética, também modelou o conceito de pop corn movie, onde as bilheterias superam a casa dos US$ 100 milhões.

O enredo é bem amarrado e até os dias de hoje bem atual: em uma pequena cidade litorânea dos EUA, um enorme tubarão branco começa fazer vítimas entre os banhistas das praias.

O problema é que durante o mês de julho (período da história) a cidade tira o burro da sombra: fatura alto com os turistas para passar bem economicamente pelo resto do ano.

O prefeito, o pipoqueiro da esquina e o dono da mercearia são contra a interdição das praias e aí começa um jogo de gato-e-rato entre o bicho e o xerife interpretado por Roy Scheider.

No jogo de interesses, também têm papel importante um velho marinheiro especialista em caçar as feras do mar (Robert Shaw, dando um show) e um fanático por oceanografia (Richard Dreyfuss, ainda menino).

Com efeitos especiais modernissimos na época, mas que hoje parecem um pouco ultrapassados, além do célebre peixão de borracha como protagonista, Tubarão é um achado - abriu a Idade dos filmes blockbusters com dignidade, não abusando da paciência e sem ofender a inteligência do espectador.

Pena que desvirtuaram tudo em Hollywood com tranqueiras do tamanho como Sharknado...

Título Original: Jaws

Título no Brasil: Tubarão

País: Estados Unidos

Ano de Lançamento: 1975

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Peter Benchley, Carl Gottlieb

Gênero: Suspense

Elenco: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss

Nota: 10,0 

Roman Polanski é frequentemente considerado um dos grandes mestres do terror, mais particularmente do gênero terror-psicológico. O curioso é que, em toda a sua extensa filmografia, o cineasta só rodou quatro filmes do gênero. Exclua dessa lista o fraquíssimo "O Último Portal" e sobram três clássicos indispensáveis em qualquer filmoteca. São eles: Repulsa ao Sexo, O Bebê de Rosemary e O Inquilino. 

Todos os três merecem um destaque nesta seção, mas escolhi O Inquilino (ou Le Locataire), o filme é de 1976, época em que a filmografia de Polanski ainda permanecia impecável (há quem espinafre filmes como Que? de 73, uma obra surrealista, com Marcello Mastroianni) e sete anos após o assassinato de sua esposa Sharon Tate (que contracenou com Polanski na comédia A Dança dos Vampiros ), na época grávida do diretor, pela gangue do psicopata mais famoso do mundo, Charles Manson. 

Absolutamente tenso e claustrofóbico, O Inquilino é filmado em grande angular, o que transmite ainda mais o clima paranoico do chamado terror-psicológico de Polanski. Logo na apresentação dos créditos, sabemos que estamos diante de um clássico. A música de Philippe Sarde parece uma cantiga de lamento saída dos infernos. A câmera passeia por janelas onde reflexos bizarros surgem e desaparecem discretamente, como reminiscências de pesadelos. 

Eis que entra em cena o polonês Trelkovsky, o próprio Roman Polanski, revelando-se um excelente ator (essa sua outra faceta fica ainda mais evidente no filme Uma Simples de Formalidade, em que atua ao lado de Gérard Depardieu), que entra num prédio procurando um quarto para alugar. A recepcionista do lugar é fria e hostil. Recebe-o com indiferença e vai mostrar o quarto a contragosto, sem procurar fazer muita propaganda do lugar. Inclusive, comenta: "a inquilina anterior pulou da janela. Ainda não concertaram o telhado. Veja você mesmo", e, num gesto brusco, empurra a cabeça de Trelkovsky para fora da janela, para que o futuro inquilino possa ver o estrago que sua antecessora fez. A câmera cai em cima do buraco no telhado como uma vertigem e a recepcionista solta uma risada áspera. "É uma vista e tanto, não?", comenta. 

O senhorio (Melvyn Douglas) é menos simpático ainda. Não faz nenhuma oferta camarada e ainda reluta em alugar o quarto. "Eu não preciso do seu dinheiro. Eu só estou alugando para não deixar o quarto trancado", diz o velho, enquanto faz seu desjejum, falando como se Trelkovsky não estivesse presente.O negócio fica parcialmente fechado. Parcialmente, porque a ex-inquilina, Simone Shue, ainda está viva, embora ninguém bote muita fé que ela vá sobreviver. 

Enquanto espera pelo sinal verde, no caso a morte de Simone, Trelkovsky sente-se atraído pela história e resolve visitá-la no hospital, onde ela encontra-se em estado de semi-coma, enfaixada como uma múmia, em cima de uma cama. 

É no hospital que ele encontra Stela (Isabelle Adjani), uma amiga da paciente, com quem troca algumas idéias sobre a fatalidade do ocorrido e acaba indo parar num cinema, dando uns amassos enquanto assistem Operação Dragão, com Bruce Lee. Antes de deixarem o hospital, entretanto são molestados por um grito gutural de Simone, que parece mais que está vomitando a alma. Destaque para a equipe de efeitos sonoros. 

Simone Shue acaba morrendo e logo Trelkovsky encontra-se enclausurado no seu novo lar. A vizinhança também é hostil - batem nas paredes ao menor ruído de Trelkovsky. Ele tem que viver pisando em ovos, pois o senhorio pode despeja-lo a qualquer momento. 

Tudo é escuro e precário. Na solidão do seu apartamento, ele observa pessoas dos prédios vizinhos, que aparatamente não fazem nada além de ficarem imóveis, com o olhar fixo nas janelas de Trelkovsky, chegando a passar horas e horas na mesma posição. 

A paranóia começa a tomar conta quando Trelkovsky começa a descobrir vestígios da antiga inquilina no apartamento. Primeiro acha um dente enrolado num algodão, enfiado num buraco na parede. Depois começa a remexer as gavetas e descobre as roupas de Simone Shue. Nesta altura, ele já acredita que há um complô para que ele assuma a identidade da falecida, paranóia que se instaura a partir das atitudes do garçom da esquina, que teima em lhe servir os mesmos pedidos que ex-inquilina costumava fazer, ou ainda, por estranhas conexões com símbolos egípcios (o corpo de Simone Shue no leito do hospital lembra uma múmia) que começam a persegui-lo nas situações mais corriqueiras. 

O Inquilino é um elo entre O Bebê de Rosemary e Repulsa Ao Sexo. Enquanto que no primeiro, havia um realmente um complô diabólico agindo contra o personagem de Mia Farrow, em Repulsa Ao Sexo, o complô não passa de pura neurose. Em O Inquilino, não é possível determinar com clareza a origem da paranóia de Trelkovsky. Tudo leva a crer que ele está enlouquecendo, isso é óbvio. No entanto, existe de fato um complô: os vizinhos, o garçom, o senhorio, etc. 

Apesar do clima soturno, O Inquilino também contém momentos de humor negro. Quando Trelkovsky finalmente assume a identidade da ex-inquilina e passa a se travestir de Simone Shue (essa parte eu não deveria contar), alguns diálogos beiram ao hilário. Outra parte engraçada é quando Trelkovsky está matando tempo num parque e observa um garotinho chorando pelo barquinho que boiou para longe da margem de uma fonte. Uma mulher se aproxima e diz: 

- Oh! O que foi? Não chore! 

- Meu barquinho! - e aponta para o brinquedo, que se distancia cada vez mais. 

- Não chore! Eu vou buscar. Qual é o seu barquinho? 

- O Vermelho! 

Quando a moça sai para fazer sua boa ação, Trelkovsky se levanta indignado e caminha até o menino. Encara-o por alguns seguntos e lhe dá um sonoro tapa. 

- Nojento! - grita com um asco inexplicável, antes de se afastar. 

É uma cena aparentemente dispensável, por não se encaixar muito bem no contexto, mas que acaba funcionando como um dos pontos chaves da narrativa para que o telespectador perceba o nível de loucura em que o personagem se encontra. 

O Inquilino foi um daqueles filmes raros que o SBT costumava exibir uma vez ou outra. Fica a dica de filme. 

Título Original: The Tenant

Título no Brasil: O Inquilino

País: França

Ano de Lançamento: 1973

Direção: Roman Polanski

Roteiro: Roland Topor (livro), Gérard Brach e Roman Polanski

Gênero: Drama

Elenco: Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvyn Douglas

Nota: 9,0 

Um Clássico Etílico. Hollywood já gerou uma porção de bons filmes sobre drogas. A lista é imensa: O Homem do Braço de Ouro, Os Viciados, Drugstore Cowboy, Despedida Em Las Vegas, e por aí vai. Farrapo Humano, de Billy Wilder, entretanto, é frequentemente apontado como o melhor do gênero. Não sem motivo. "The Lost Weekend", o título em inglês "fim de semana perdido", já entrega o teor do filme. A droga em questão é o álcool, o velho destruidor de lares, e o filme é um dos dramas mais amargos da história. 

Rodado em 1945, o roteiro é baseado num romance de Charles R. Jackson e traz Ray Milland como o "farrapo humano" Don Birnam, numa interpretação perfeita, extremamente realista, sem os exageros característicos dos dramalhões. É uma combinação perfeita entre diretor, escritor e ator, sem falar do resto da equipe técnica. A trilha sonora de Miklós Rózsa, por exemplo, foi pioneira no uso do theremin, um instrumento de sons esquisitos que seria posteriormente popularizado nos filmes de ficção científica dos anos 50. 

Farrapo Humano conta a história de Don Birnam, um alcoólatra crônico e aspirante a escritor, que entrega-se a mais um ciclo de bebedeiras, acabando com os planos de seu irmão e sua namorada de levá-lo para um fim de semana saudável no campo. Tudo começa de forma quase otimista. Don e Wick, seu irmão (Phillip Terry ), estão em casa fazendo as malas e a conversa gira em torno do quanto uns dias longe da cidade fará bem a Don. "Será bom pra você... Depois de tudo que você passou", diz Wick. O irmão concorda, fazendo questão de afirmar que está há 10 dias sóbrio. 

Mas logo tudo começa a se esclarecer. Don realmente pretende viajar com o irmão, mas não está nem um pouco interessado em passar quatro dias longe da bebida. Enquanto separa suas roupas para a viagem, seu pensamento está inteiramente voltado para uma garrafa escondida, separada especialmente para lhe fazer compainha durante o feriado. No entanto, as verdadeiras intenções de Don vêm a tona quando Wick descobre a garrafa, pendurada num cordão para fora da janela (detalhe sórdido), e despeja seu conteúdo na privada. Começa, então, a derrocada emocional de Don através do fim de semana. 

Primeiro ele convence seu irmão a trocar o horário do trem para acompanhar sua namorada, Helen (Jane Wyman ), a um concerto de Brahms, já que a garota tem duas entradas e, segundo Don, não fica bem ela ir desacompanhada ao teatro. "Você vai com ela. Eu ainda preciso terminar de arrumar minha mala", alega Don - é obviamente uma desculpa esfarrapada para tentar arranjar uma outra garrafa durante a ausência do irmão. Wick acaba concordando. Sabe que seu irmão não tem um tostão furado e os bares das redondezas já não lhe dão mais crédito. 

Sozinho em casa, começa a entrar em desespero, tentando arrumar uma solução para o problema. Viajar sem a garrafa está fora de questão. Para seu alívio, uma visita inesperada traz sua salvação: A faxineira aparece para fazer seu serviço, porém é dispensada por Don, cujo estado de nervos não admite a presença de mais ninguém no recinto. Porém, quando a empregada pergunta se Wick deixou algum dinheiro para ela, Don pensa rápido e responde: "Provavelmente. Onde ele costuma guardar?". Depois que a mulher informa o local, Don some por uns instantes e retorna em seguida, dizendo que seu irmão esqueceu de deixar o dinheiro. "Que pena! Eu queria fazer compras hoje"!, lamenta-se a empregada. É a deixa que Don precisava pra se munir de uísque, e iniciar sua maratona alcoólica. 

Com 10 dólares na mão, Don vai direto a um bar e pede seu primeiro drink. Avisa ao barman para lhe lembrar que de 15 para às seis, ele deve estar em casa, de malas prontas, esperando pelo irmão. Horas mais tarde, está esparramado no balcão, bêbado, ocupado com um discurso solitário. O barman lhe relembra pela centésima vez do horário combinado. "Don, você deve ir para casa! Seu irmão está esperando por você". "Quem disse isso?", pergunta realmente surpreso com o fato. "Você mesmo!". Mas já é tarde. O garçom lhe informa a hora - seis e dez. A essa altura, seu irmão deve estar prestes a entrar no trem. 

Don acaba ficando sozinho em casa durante todo o feriado, alternando suas bebedeiras com terríveis crises de abstinência. Tenta em vão começar o seu tão planejado romance, mas não consegue passar do título: The Bottle (A Garrafa). Entregue ao álcool no apartamento, ele revê vários eventos tumultuados de sua vida, todos eles em decorrência da bebida. 

A direção de Billy Wilder acompanha o tormento de Don durante o "fim de semana perdido" da forma mais angustiante possível, captando toda a humilhação e desespero do personagem - sobretudo na cena em que dom começa a delirar em seu apartamento, vendo morcegos e ratos saindo das paredes. Ray Milland encarna o personagem de forma espantosa, suando e tremendo pelas ruas, em busca de um trago matinal. O papel rendeu a Milland seu único Oscar. Curiosamente, ao ganhar o prêmio, o ator não disse uma palavra sequer. 

Farrapo Humano recebeu sete indicações ao Oscar, faturando quatro estatuetas: Melhor filme, melhor roteiro original, melhor diretor, para Billy Wilder, além do já citado Oscar de melhor ator para Ray Milland. O filme de vez em quando é exibido no Telecine Cult. Fique atento.

Título Original: The Lost Weekend

Título no Brasil: Farrapo Humano

País: Estados Unidos

Ano de Lançamento: 1945

Direção: Billy Wilder

Roteiro: Charles R. Jackson, Charles Brackett, Billy Wilder

Gênero: Drama

Elenco: Ray Milland, Jane Wyman, Phillip Terry, Howard Da Silva e Doris Dowling

Nota: 9,0 

Exorcizando o cinema de horror. Apesar de ter efeitos especiais um pouco ultrapassados, O Exorcista ainda provoca calafrios com seu climão.

Poucos filmes conseguiram ser tão assustadores quanto O Exorcista, de William Friedkin, um cineasta que teve um começo de carreira fulminante com este clássico do terror e o sensacional Operação França (1971), mas depois sumiu do mapa, reaparecendo de tempos em tempos com produções abaixo da crítica, como o terrível A Árvore da Maldição.

O mérito desta fábula de horror moderna está em investir todas as suas fichas na confecção de um clima soturno e claustrofóbico, optando por uma fotografia escura, trilha sonora minimalista e andamento cadenciado. 

É óbvio que boa parte do impacto do filme à época vem dos efeitos especiais asquerosos, simulando baba, vômito e sangue por todos os lados. 

Porém, hoje em dia, esses recursos são os que menos impressionam a moçada acostumada com as estripulias visuais da Industrial, Light & Magic, empresa de George Lucas que controlou os efeitos especiais da grande maioria das produções com orçamento razoável em Hollywood. 

A cena em que o padre Karras recebe um banho de vômito da menina possuída Regan (Linda Blair, que depois daqui não fez mais nada digno de nota) só consegue provocar risos agora. Gargalhadas se pensarmos que o "truque" foi realizado com sopa de ervilha e, detalhe, gelada para provocar raiva no ator Jason Miller (outro que depois de seus 10 minutos de fama se escafedeu). 

Portanto, a força de O Exorcista consiste em seu clima e, principalmente no roteiro, baseado (na verdade quase reproduzido ipsis literis) no romance homônimo de William Peter Blatty. 

Uma garota que está morando circunstancialmente em Washington, já que sua mãe é atriz e está envolvida em uma produção com locações por lá, é possuída pelo demônio. 

A príncipio, todos duvidam do fenômeno e apostam m algum problema psicológico para o evento, inclusive a igreja Católica, que demora um bocado para aprovar a aplicação de um ritual de exorcismo. 

Só que quando cadeiras, mesas e outras coisas começam a voar pelo quarto de Regan, a coisa começa a mudar de figura.

Essa batalha entre o místico e o científico mantêm bem o pique de O Exorcista. Um filme que há cada ano fica mais ultrapassado na forma, mas imperecível no conteúdo.

Título Original: The Exorcist

Título no Brasil: O Exorcista

País: Estados Unidos

Ano de Lançamento: 1973

Direção: William Friedkin

Roteiro: William Peter Blatty

Gênero: Terror

Elenco: Ellen Burstyn, Max von Sydow, Lee J. Cobb, Kitty Winn e Linda Blair

Nota: 9,0 

Se você adora super-heróis mas nem por isso deixa de achar esquisito quando eles conversam com o vilão durante a luta, é bem provável que você ache o filme “Heróis muito loucos” (“Mystery Men”, 1999) uma ótima pedida.

Com um elenco cômico de peso, com nomes como Ben Stiller, Janeane Garofalo, William H. Macey, Hank Azaria e Paul Reubens, além de outros grandes nomes, normalmente vistos em papéis sérios, como Wes Study e Geoffrey Rush, o filme faz uma sátira competente da difícil tarefa de ser super-herói.

A história se passa na metrópole fictícia Champion City, da qual o Capitão Incrível(Greg Kinnear) é o principal protetor, apesar da existência de heróis menos conhecidos do público como o Escavador(Macey), o Sr. Furioso(Stiller) e o Rajá Azul(Azaria).

Quando o Capitão Incrível é raptado pelo vilão Casanova Frankenstein resta aos desprestigiados defensores de Champion City a tarefa de resgatar seu colega famoso. Não sem antes recrutar outros voluntários com poderes tão pouco excepcionais quanto os deles.

“Heróis...” não é aquele tipo de filme com uma grande gargalhada em cada cena mas a ironia e a sátira aos filmes e histórias de super-heróis estão sempre presentes. Talvez por isso mesmo, ou seja, por este humor mais sutil, o filme não agrade a todo mundo.

A verdade é que o filme foi mal divulgado e explorado comercialmente de forma equivocada. Basta analisar o título nacional para se ter uma noção. Ora, Heróis muito loucos é título para comédia pastelão sem qualquer tirada inteligente. Mas como qualquer filme divertido vira “muito louco” ou “do barulho” no Brasil...

Isso, no entanto, não tira a força de algumas críticas do filme ao universo dos super-heróis como, por exemplo, no diálogo do Escavador com sua esposa, no qual ele diz algo sobre ser um ótimo escavador, ao que a esposa responde: “Isso não faz de você um Super-herói!”. O que, de forma bastante sutil, contém a questão central do filme: Afinal, o que torna alguém um super-herói? E ainda: Ter coração é mais importante que ser superpoderoso?

É claro que também sobram umas boas tiradas no melhor estilo Sergio Aragonés (especialista em satirizar os heróis Marvel e DC nas suas miniséries), como a discussão sobre a identidade secreta do Capitão Incrível, que apesar de não usar máscara, não é reconhecido porque usa óculos em sua identidade secreta. Algo familiar?

Críticas à parte ao diretor estreante Kinka Usher, o filme ainda tem o mérito de uma ou duas viradas surpreendentes na história. Além disso é sempre divertido ver gente grande brincando como criança. Ou melhor, ver atores bem sucedidos fingindo ser homens adultos que fingem ser super-heróis que fingem ter superpoderes...

Oi pessoal! Hoje no Comentando Filme quero falar sobre ''O Observador''.  O agente Joel Campbell (James Spader) decidiu aposentar-se após investigar, sem sucesso, uma série de assassinatos cometidos pelo serial killer David Griffin (Keanu Reeves) em Los Angeles.

Agora em Chicago, ele tem uma vida tranquila. Porém, essa tranquilidade não dura muito: em sua nova cidade, começam a ocorrer outros assassinatos em série, muito parecidos com os ocorridos em Los Angeles. E os métodos do sádico assassino são sofisticados: após escolher sua vítima, ele descobre todos os seus hábitos e sua rotina.

Então, 24 horas antes de matá-la, ele a fotografa e envia a foto para Campbell, que tem apenas um dia para evitar o crime. Conclusão: David Griffin, o assassino em série, está de volta. Neste thriller psicológico, a cada novo assassinato,. Griffin faz questão de relembrar a Campbell seus fracassos anteriores, fazendo-o reviver esses fantasmas do passado.

E, ao contrário dos outros filmes de suspense, O Observador revela ao espectador quem é o assassino nos primeiros instantes do filme, desviando a atenção do público para a trama em si e para o desespero mental e frustração provocados ao agente do FBI que persegue sem êxito o brutal assassino.

Oi pessoal! Hoje no Comentando Filme quero falar sobre ''Snatch – Porcos e Diamantes''. A trama é como se segue: um ladrão de jóias está de passagem por Londres, a caminho de Nova Iorque, com a missão de transportar um valioso diamante para a mafia nova-iorquina. Na sórdida vida noturna de Londres, ele envolve-se com um grupo de promotores de luta que lhe roubam a pedra. Brad Pitt é um dos lutadores ilegais, num papel arrojado e bem conseguido.

Este filme trata com humor, muito humor, a marginalidade londrina. Trata-se de um thriller negro, do tipo das histórias de gangsters americanos, em que a comédia pontua como especiaria rara apimentando o enredo.

Diálogos rápidos, divertidos e personagens caricatas fazem a diferença, num filme em que a presença de uma mega-estrela de Hollywood (Brad Pitt) não ofusca em nada a riqueza do guião e protagonismo dos ambientes.

O elenco conta também com o recém ganhador do Oscar, como ator coadjuvante - Benicio Del Toro.

Título Original: Snatch

Título no Brasil: Snatch – Porcos e Diamantes 

País: Estados Unidos

Ano de Lançamento: 2000

Direção: Guy Ritchie

Roteiro: Guy Ritchie

Gênero: Ação

Elenco: Benicio del Toro, Dennis Farina, Vinnie Jones, Brad Pitt

Rade Šerbedžija e Jason Statham

Nota: 9,0